martes, 28 de mayo de 2013

XIII. Blanco y Negro: La Luz

     La luz es uno de los factores principales en una fotografía.

     En el blanco y negro, descartando los colores, solo nos quedan luces y sombras. Ambas son el elemento con el que vamos a jugar en nuestra fotografía. Un uso inteligente de la luz y la sombra, nos ayudará a crear una fotografía interesante y atrayente.

 
Alexánder Rodchenko
Stairway - 1930

 
Arnold Newman
Stravinsky - 1946
Francesc Catalá Roca
Gran Vía de Madrid - 1953

       Nuestra fotografía debe buscar el juego de las luces y las sombras. No podemos conformarnos con sacar lo que cualquiera puede ver, se trata de plasmar lo que se le escapa a la mayoría.

       Debemos saber que las zonas con más luz son las primeras que atraen nuestra atención, y las de sombra las que más pasan desapercibidas. Sabiendo esto, debemos atraer con luz sobre lo que queramos que sea el sujeto principal, ya sea por que lo ilumina directamente, o porque lo siluetea a contraluz.

       Cuando hagamos el procesado en el ordenador, debemos dar mayor realce a lo que nos interesa, con la iluminación de luces y el oscurecimiento de sombras. Este aumento de contraste nos puede ayudar en muchas ocasiones a remarcar más el mensaje de luces y sombras.

        Para las fotografías en blanco y negro debemos también tener en cuenta el color, puesto que dispararemos en color, y veremos en color. Debemos acostumbrarnos a saber qué colores van a quedar como  oscuros, qué colores como grises y qué colores como tonos claros, antes de hacer una fotografía. Es cierto que luego podremos variarlos, pero solo en parte, ya que de lo contrario podríamos perder calidad en esos tonos si los modificamos en extremo al pasar a blanco y negro.

        Acostumbrarse a 'ver' en blanco y negro es una tarea que requiere de mucha práctica.

        Recordemos también que un sujeto principal oscuro sobre un fondo oscuro o viceversa, no destacará, con lo que perderemos expresividad y fuerza en el mensaje final. Tenemos que estar muy atentos a qué tenemos en el fondo de lo que queremos fotografiar, porque sino, podemos llevarnos desagradables sorpresas.

        También se usan los tonos oscuros para el drama y las luces para la esperanza o la alegría. Debemos contar con ello en nuestra fotografía.

        En definitiva, las luces y las sombras son el ingrediente que, bien concebido, dan la vida a una fotografía.

martes, 26 de febrero de 2013

XII. La fotografía directa de Paul Strand

   Nace en 1890. A los 12 años consigue su primera cámara como regalo de su padre. Su amistad con Lewis Hine le pondrá en contacto con el Club Photo Secession de Alfred Stielglitz.

   Después de haberlo practicado él mismo, Strand ve un error el querer imitar la pintura con la fotografía, son caminos distintos que se deben explorar independientemente. El pictorialismo no es el camino adecuado, se ha de buscar la realidad. Stieglitz ya había empezado a tomar el camino de la fotografía directa y Strand le siguió.

   Comienza a fotografiar escenas de la calle, con sus personajes. Ya en 1916 aparecen sus primeras fotografías en Camera work. Stieglitz empezará a valorar su trabajo y a fijarse en su manera de fotografiar.

   Quería reflejar a las personas en sus poses naturales. Para ello se busca una artimaña, y coloca un objetivo en un lateral de la cámara para que apuntara a otro lado. Era simplemente un engaño para que la gente pensara que estaba apuntando para otro sitio mientras les estaba haciendo una fotografía sin que se dieran cuenta. Esto le permitió muchas fotografías de la vida cotidiana de Nueva york sin alterar las expresiones de la gente.

   Paul Strand se caracteriza por fijarse en la realidad de las cosas aunque estas pasen desapercibidas, y mostrarlas. Estará también en los inicios del grupo f/64 del que hablaremos más adelante.

   Se involucró en el cine y en política.

   Funda la Photo League de Nueva York con el fin de crear una prensa impactante con sus fotografías.

Paul Strand - Wall Street
1915

Paul Strand - Sence
1916
Paul Strand - 1916

Paul Strand - Ciega
1916
Paul Stand - Iris
1928

Paul Strand - Rebecca
1932
Paul Strand - Mujer de Alvarado
1933

Paul Strand - Muchacho Joven
1951




Paul Strand - La Familia
1953





Fuentes

- Un año de fotografía - Jose Carlos M. Robles 1
- Un año de fotografía - Jose Carlos M. Robles 2
- http://www.elangelcaido.org
- http://es.wikipedia.org

lunes, 25 de febrero de 2013

XI. La Fotografía de Alvin Langdon Coburn

     Nace en 1882 en Massachusetts. Podría parecer que A. L. Coburn no es uno de esos personajes de la historia de la fotografía que sea necesario mencionar, sin embargo, nos aporta algunas innovaciones en el mundo de la fotografía que hasta ese momento no eran lo común, como la fotografía desde lugares elevados, y la fotografía abstracta.

     Con 17 años, varias fotografías suyas son presentadas en la Royal Photographic Society de Londres y allí llama la atención. Años más tarde conseguirá exponer en el Camera Club de New York y Alfred Stieglitz le publicará trabajos en la prestigiosa revista Camera Work en numerosas ocasiones.

     Coburn viajará y ampliará su conocimiento de diversos fotógrafos en un constante progreso de su fotografía. Si nos detenemos a ver su obra, no tienen nada que ver sus imágenes de la primera etapa que las últimas. Esto nos puede parecer normal, pero en Coburn, esta diferencia se agudiza, pues pasó de ser un fotógrafo clásico a ser un fotógrafo abstracto hasta finalmente llegar a perder todo interés por la fotografía al final de su vida. Lo que demuestra que cambiar por cambiar no lleva a ninguna parte sin un rumbo al cual dirigirse.

    Veamos parte de su obra.

 The Temple - 1909
Alvin Langdon Coburn


     Vemos un cuidado exquisito de la composición, con elementos bien ubicados en la toma, bien centrados, creando ambientes especiales, entrañables.



      La lluvia y la niebla unido a la noche con sus brillos, nos muestran las inmensas posibilidades que tiene una ciudad clásica, en las que Coburn sigue mostrándonos la importancia de la composición de todos los factores que entran en su encuadre, a la par que nos enseña la importancia que otorga la luz a la escena.

Broadway at night - 1910
Alvin Langdon Coburn

The intelligence of flowers - 1907
Alvin Langdon Coburn
   
      Sus fotografías desde lugares elevados daban una perspectiva nunca vista antes por el ciudadano normal.


Fifth Avenue From The St Regis - 1905
Alvin Langdon Coburn 

    El dominio del contraluz y las sombras acentúa el carácter melancólico y frío del viejo Londres.

From Westminster bridge- 1909
Alvin Langdon Coburn

Houses of parliament- 1909
Alvin Langdon Coburn

Leicester square - 1909
Alvin Langdon Coburn

Regent's canal - 1909
Alvin Langdon Coburn

Westminster abbey- 1909
Alvin Langdon Coburn 

       Esta es una pequeña muestra de la fotografía tan elegante y entrañable que hacía Coburn en sus primeros años. De entre ellas, una de las más famosas es la siguiente fotografía tomada desde altura. En la que ya vemos que no solo incluye la composición y la altura, sino el juego visual que se produce entre la torre y la sombra que proyecta.



The Octopus - 1912
Alvin Langdon Coburn

         Pronto, sin embargo, empezará a buscar nuevas expresiones, y en 1917 nos deja este retrato obtenido con unos cristales que le proporcionaban, a modo de caleidoscópio, la toma por triplicado y a distinto tamaño:


Retrato de Ezra Pound - 1917
Alvin Langdon Coburn

      Una corriente llamada vorticismo, le hará dar una vuelta más de tuerca en su búsqueda de la modernidad fotográfica en lo abstracto hasta llegar a esta fotografía o vortografía, en la que ya se puede empezar a perder el sentido de la composición, aunque ciertamente lo hay, pues no está tomada al azar:



      En Coburn tenemos un fotógrafo del cual aprender la fotografía clásica, sobre todo en sus comienzos, y a la vez nos enseña a no encasillarnos en un solo tipo de fotografía y a evolucionar, aunque sí es cierto, que debemos evolucionar no sin un rumbo fijo, como decía al comienzo, sino sabiendo qué queremos transmitir y cómo va a interpretarlo el espectador de a pie.


Fuentes

Wikipedia inglés
Masters of Photography



 

X. Historia de la Fotografía. Iniciando el s.XX: Alfred Stieglitz


      Numerosos son los fotógrafos de los que habría que hablar, pero mencionaré a uno de los más importantes que da paso al s.XX: Alfred Stieglitz.

      A él principalmente se debe el paso de la fotografía pictorialista a la fotografía directa. Estudia lo común entre pintura y fotografía, y desde esa base investiga con lo más propio de la fotografía.

      Desde finales del s.XIX va ganando admiradores por su estilo fotográfico y tanteando diversas editoriales de publicaciones fotográficas de las que no sale muy bien parado.

      También busca algún club fotográfico estadounidense, pero ninguno le satisface plenamente. Mantiene, sin embargo, una estrecha relación con ellos: El Linked Ring de Gran Bretaña, El Camera Club de Viena, el Photo Club de París y el Camera Club de Nueva York. Finalmente decide crear un club exclusivo al cual solo se puede acceder por invitación, el Photo Secession. En él acabará también Alvin L. Coburn y Edward Steichen entre otros. Buscará un estilo de fotografía pictorialista, defendiendo la fotografía como arte y no solo como medio científico para captar la realidad. En este tipo de fotografía no les importó manipular tanto el negativo como la fotografía en sí.

      De esta inquietud surgirá una famosa publicación en la que estarán los mejores fotógrafos del momento: El Camera Work. Una publicación que editó 50 números a gran calidad.

      También crea una galería donde expondrán los fotógrafos. De esta manera, con el club, la revista y la galería alza la fotografía a nivel de la pintura, como pretendía desde un principio, y a la vez, reune a los mejores fotógrafos en lugares concretos.

       Stieglitz es uno de los primeros fotógrafos en usar las cámaras de mano.

       Su fotografía pictorialista irá evolucionando hacia lo que se conoce como fotografía directa, de la que Paul Strand será su principal iniciador. Son famosas las posiciones de las manos de sus retratos últimos, buscando movimiento, tensión y expresión. De las primeras fotografías a la evolución posterior hay un abismo.


Alfred Stieglitz - Reflections
1896


Alfred Stieglitz - Brillos en la noche
1897



Alfred Stieglitz - Reflejos de Venecia
1897

Alfred Stieglitz - 1896 
Alfred Stieglitz - 1895

Alfred Stieglitz
Alfred Stieglitz - 1918
Alfred Stieglitz- Katherine Dudley
1922
Alfred Stieglitz - 1921

Libros

- Camera Work. Ed Taschen

Fuentes

- Un año de fotografía - Jose Carlos M. Robles 1
- Un año de fotografía - Jose Carlos M. Robles 2
- http://es.wikipedia.org
- http://en.wikipedia.org


IX. La Fotografía de Félix Gaspar Tournachon "Nadar"


     Fotógrafo francés que acuñó la frase 'pintar con luz'. Su especialidad es el retrato.

     La introducción del proceso fotográfico llamado colodión húmedo, en 1851 por parte de Gustave Le Gray permitió realizar fotografías mucho más rápidas que las proporcionadas por el daguerrotipo. Lo cual redujo la fotografía a escasos segundos y permitió la posibilidad de hacer copias fácilmente.

     Félix G. Tournachon gusta de llamarse, ya desde joven, Nadar, y así le conocerá todo el mundo. Es pionero en muchas cosas. Uno de los primeros en fotografiar con luz artificial y el primer fotógrafo aereo de la historia, ya que montaba en globo.

     Sus retratos engloban a personajes importantes de la sociedad.


Eugene Delacroix - 1857
Felix Nadar

    El tratamiento que hace de la luz es extraordinario, pero no solo eso, sino también la complicidad con el retratado, que posee una autoridad en la expresión que emana fuerza y poder. Hoy en día, desgraciadamente, esta fuerza se busca en procesados complejos, pero no directamente en la fotografía. Si lo pensamos detenidamente, estamos hablando de una fotografía del s.XIX. Es algo impresionante, pero para nada imposible. Algo que debemos buscar y llegar a realizar con nuestra cámara.


Claude Monet - 1899
Félix Nadar

    La expresividad en los ojos de Monet es espectacular. Con la luz ha conseguido resaltar la majestuosa figura del pintor. Sobrexponiendo un poco en la cabeza, pero sin crear sombra en los ojos, y  compensando muy bien los tonos oscuros, como el bigote, que podrían oscurecer mucho la toma.

    La mirada de Monet no es improvisada, sigue los consejos del fotógrafo. No mira a la cámara, sino por encima, dando un aire de pensador nato, de hombre con una larga y experimentada vida.

    Otro retrato de plena personalidad es el de Paul Chevanard.

Paul Chevanard - 1856
Félix Nadar

    Fijaros la iluminación del fondo para que destaque el sujeto y no se confunda el tono de la chaqueta con el fondo. Es una maravilla como domina la iluminación. La luz es alta, por la izquierda, pero no crea sombras en la cuenca de los ojos, sino que es una luz difusa, pero centrada en el personaje y el fondo.

    También, con una fuerza apabullante, tenemos el retrato de Eugene Pelletan.

Eugene Pelletan - 1852-59
Félix Nadar

     Esta vez mira directamente a la cámara y casi te hace apartar la mirada. Parece el mismísimo demonio. Tiene una personalidad y un caracter tremendo esta fotografía.

     Vemos esa luz superior que en este caso sí acentúa la sombra sobre los ojos y le da un aspecto más enigmático, casi malvado.

Louis Pasteur - 1890-95
Félix Nadar

     El retrato de Pasteur es soberbio. Parece un actor de cine. La mirada y pose serena de Pasteur es fruto de la confianza y buen entendimiento de modelo y fotógrafo. Una mirada rigurosa, grave y cristalina.

     El retrato siguiente, del músico Hector Berlioz riza el rizo de la iluminación.

Hector Berlioz - 1863
Félix Nadar

     Por un lado nos encontramos con la iluminación superior por la izquierda, que en este caso crea un filo de sobrexposición, casi contraluz, pero es compensado por otra fuente de luz suave por la derecha, también superior, y que sirve para iluminar la cabeza y suavizar las sombras de la cara. Un trabajo bellísimo de retrato.

Barón Taylor - 1872-75
Félix Nadar

     La fotografía del Barón Taylor solo tiene la luz lateral por la izquierda, sin más. Vemos como Nadar no repite siempre el mismo esquema de iluminación, sino que antes de hacer la fotografía analiza cuál es la iluminación más adecuada para resaltar toda la personalidad del personaje y la aplica después. En este caso resalta la figura aguileña del Barón y su semblante riguroso. Toda una pose de caracter.
     Algo distinto, casi cómico, sería el retrato de Champfleury, precisamente un amante de las caricaturas.

Champfleury - 1860
Félix Nadar

      Sarah Bernhardt era la actriz del momento. Nadar supo no solo sacar su belleza, sino también el estilo propio.


Sarah Bernhardt - 1855
Félix Nadar


    A parte de los retratos, tomó mucho interés por la fotografía desde globo. Hasta tal punto que se considera que tomó la primera fotografía aerea de la historia.

    Además, en 1874 celebra la primera exposición impresionista de la historia. Como se puede ver, no solo era buen fotógrafo, sino que era un adelantado en este campo.

    Pero si pensábamos que esto acababa aquí, también tiene el honor de hacer el primer foto-reportaje de la historia en 1886 a un científico importante. Él aparecerá entrevistando al científico y las fotografías las hará su hijo Paul.

miércoles, 2 de enero de 2013

VIII. La Fotografía de Eugene Atget


     Jean Eugene August Atget obtiene sus primeras fotografías en 1888 con unos 31 años, después de haber fracasado en otras artes como la interpretación o la pintura. En vida no pasó desapercibido para quien supo reconocer su verdadero arte, pero no fué tras su muerte en 1927, cuando su figura empezó a valorarse.

     Utilizaba una cámara de fuelle con el objetivo ligeramente desplazado para evitar que las verticales se vieran deformadas, es decir, algo parecido a la técnica 'Tilt-Shift' de objetivos descentrables. Esto hace que en muchas fotografías aparezca enengrecida la parte superior.

     Viajaba en autobus o metro con su cámara de 20Kg. por las calles de París y así recorria todas las distancias para hacer su fotografía. El prefería este equipo, aunque los había ya mucho más sofisticados, porque nunca le dio demasiada importancia a lo que hacía. Esta cámara antigua le obligaba a hacer exposiciones largas y preparadas.

     Muchas de sus fotografías por encargo de monumentos o escaparates son a primeras horas de la mañana, para evitar que salieran en ella personas. Se valía de la fotografía para plasmar material que pudiera ser utilizado para el arte, es decir, para ser pintado. El nunca se consideró un fotógrafo, y no se valoraba. Su trabajo era un medio para los pintores, grabadores y escultores, aunque hoy en día, eso sea lo menos importante y alla pasado a primer plano su fotografía.

     Tiene fotografías de varios, tipos. La fotografía de escaparates con los reflejos de los cristales fue considerada como una introducción hacia el surrealismo fotográfico. Tiene muchas fotografías de calles y establecimientos de París que nos muestran hoy en día como era el París de los años 30, antes de la guerra.

     Sin embargo, no todo era fotografiar para los demás. También se adentró en la sociedad, en los oficios menores de París. Su fotografía no es crítica, sino simplemente representativa de lo que hay. Es como entrar en su época, con sus gentes, sus calles... pero no en sus más famosos monumentos o símbolos de la ciudad, sino en lo que el parisino veía que era París.

     Pero pasemos directamente a su fotografía.

A corner Rue de Seine 1924
Eugene Atget

      Su fotografía no es precisamente una fotografía muy cuidada en todos los momentos, aunque sí tiene mirada compositiva que irá cultivando con el paso de los años. En esta toma vemos como el edificio que pretende sacar casi queda cortado por arriba, apreciándose el viñeteado por la derecha. Sin embargo, la fotografía es magnífica, pues tiene composición y refleja la tranquilidad y la serenidad de las calles sin transeuntes.

Notre Dame
Eugene Atget
       En esta fotografía de Notre Dame vemos algo curioso, hay como 2 composiciones y una sola fotografía. por un lado está la catedral al fondo, bien compuesta, sin embargo delante tenemos unas ramas que dificultan la visión. ¿Porqué hace esto Eugene Atget? Quién sabe cuál era su intención. Probablemente pensaba en el destinatario de la imagen, puede que un pintor.

Eugene Atget

      Otro ejemplo de dos fotografías en una. En este caso una de sus numerosas fotografías de escaparates en las que se refleja la calle. Este tipo de fotografías son las que le gustaron a la primera generación del surrealismo fotográfico. No es una fotografía al azar, pues también tiene composición de los elementos.

Cour 41 rue broca - 1912
Eugene Atget
        Una de sus imágenes de los barrios y rincones escondidos de París. En la fotografía hay un caos de ventanas y puertas, pero mediante la composición ha presentado un caos con orden.

Traperos - Porte d’Asnières,  Cité Valmy 1913
Eugene Atget
      En este caso una muestra de su fotografía de oficios menores como era el de trapero. Todos están posando, y tenían que hacerlo sin moverse mucho, dado la lentitud de las exposiciones de Atget.

      Dentro de sus fotografías dentro de otras, tenemos la siguiente, que es poco conocida:

Fireplace - Hotel Matignon - 1905
Eugene Atget

      Tuve que mirarla un rato, pues parecía una chimenea en la que se viera una habitación por detrás, o una chimenea con espejos. Finalmente resultó ser esto último. Es curioso como fotografía la chimenea, pero engloba el reflejo en el espejo. ¿Cuál era su intención? Lo de atrás, lo de delante, ambos. Posiblemente ambos, como parece ser.

Cabaret 'El Tambor' - 1908
Eugene Atget

     Esta fotografía también parece muy simple, pero guarda algún secreto que merece la pena desvelar. Si nos fijamos, en el reflejo de la puerta se ve a Eugene Atget haciendo la fotografí, por lo menos se ve su cámara y su figura negra, pero además se pueden ver 2 cabezas asomándose de personas que están dentro del cabaret y miraban el trabajo del fotógrafo. De nuevo estamos ante una fotografía dentro de una fotografía. No parece casualidad, aunque puede que lo fuera, pero vemos esto en muchas de sus fotografías. Es un aspecto nuevo que aparece en la fotografía: la fotografía dentro de otra. Por eso Atget es una pieza importante en la fotografía, no tanto por tener maravillosas fotografías, sino por haber abierto un nuevo cauce fotográfico que desembocará en la fotografía surrealista y por haber mostrado el París más escondido de aquellos años sin recurrir a las composiciones habituales de los fotógrafos de su época.


Libros

- Paris. Eugene Atget. Ed Taschen. Por Andreas Krase

Fuentes

- Un año de fotografía- José Carlos M. Robles 1
- Un año de fotografía- José Carlos M. Robles 2
http://www.elangelcaido.org
http://en.wikipedia.org
http://oscarenfotos.com (Web muy recomendable)
Fotografías varias